boletín artizar

El fin de semana del 18 al 21 de octubre se celebra la edición número 26 de la feria de arte contemporáneo Estampa, una edición especial porque por primera vez tendrá lugar en IFEMA Madrid, y también especial porque será el estreno de la Galería Artizar en esta feria.

El proyecto que tenemos preparado para la ocasión está enfocado en el trabajo de cuatro artistas, Carlos Nicanor, Ubay Murillo, Amparo Sard y Jesús Zurita.

Carlos Nicanor_

Como continuación de la exitosa “Verdad de Madame SIfira”, proyecto que se presentó en la pasada edición de Art Madrid bajo el comisariado de Carlos Delgado Mayordomo, Nicanor vuelve a crear una serie de piezas que acercan el final de un ciclo y otras que toman el testigo de lo que está por venir, entre ellas, el siempre vigilante Vanidoso, que hará de lúdico guardián del rincón de Artizar.

Ubay Murillo_

La próxima exposición en Artizar será suya, una nueva puesta en escena de su trabajo, que hace no mucho, dejó con la boca abierta a quién visitó el Espacio Cultural del Tanque de Santa Cruz de Tenerife, pues ofreció un despliegue instalativo, creativo y pictórico de un muy alto nivel, todo ello con la inestimable colaboración del comisario de la muestra Fernando Gómez de la Cuesta.

Para Estampa Murillo dará un pequeño gran adelanto de lo que veremos en su exposición de principios de Noviembre.

Amparo Sard_

Siguiendo la línea expositiva de la Galería, tras Ubay Murillo tendremos individual de Amapro Sard, que no sólo se ha vinculado de manera especial con Artizar, sino con toda la isla de Tenerife, un verdadero núcleo de proyectos para la artista mallorquina.

La feria también será una fantástica ocasión para abrir boca de cara a esta exposición que tendrá lugar en diciembre y con la que cerraremos el 2018 y daremos inicio al 2019. Obras recién salidas del horno se acompañarán con trabajos elegidos para la ocasión.

Jesús Zurita_

Es sin duda una de las grandes noticias de nuestra Galería en la última temporada, la incorporación del artista ceutí, que nos entusiasmó con su exposición individual Boca de energúmeno el pasado mes de mayo. Tanto es así, que algunas de las obras más importantes de la muestra formarán parte de nuestro stand en Estampa. Un referente en los creadores de su generación que ha iniciado un vínculo con nosotros y el proyecto galerístico que estamos desarrollando.

Datos de interés:

HORARIO

Jueves 18 de octubre a domingo 21 octubre de 12:00h a 21:00h.

PRECIO DE LAS ENTRADAS

15 € entrada general

25 € entrada + catálogo

20 €  catálogo

20% de descuento con Carnet Joven

50% de descuento para Familia Numerosa y Carnet estudiante no universatario

Niños menores de 11 años y mayores de 65 entrada libre

 
DIRECCIÓN

IFEMA FERIA DE MADRID

PABELLÓN 2 del Recinto Ferial Juan Carlos I

Av. Partenón, 5,

28042 Madrid

De buena casa, buena brasa

José Arturo Martín (1974) y Javier Sicilia (1971) reflexionan acerca del sujeto contemporáneo desde hace más de veinte años. A través de la auto ficción, este dúo artístico sostiene careta en mano, levanta trampantojos a su paso y nos tiende un espejo construido a base de capas de pintura. Podría parecer que su objetivo es la representación más ortodoxa: dos artistas que se retratan a sí mismos en sus cuadros y que además, para ello, utilizan el tradicional lenguaje figurativo. Sin embargo, al observar sus imágenes, asistimos a un quiebro en la anterior aseveración, pues en su obra se cuelan incongruencias, ruidos, silencios, acertijos… nada de lo representado es literal. A partir de aquí, toda una madeja de significados por desentrañar.

Comenzaron a trabajar juntos en 1995 inaugurando Nos ponemos por los suelos. Fue una exposición relámpago que duró setenta y dos horas y que abría la primera hoja de una historia que todavía sigue sumando storyboards en la vida de estos personajes. De ellos sabemos exclusivamente sus apellidos. Sí, uno es Martín y el otro es Sicilia, pero ya no los reconocemos, se han intercambiado las identidades tantas veces que han terminado por instaurar un método de búsqueda basado en la teatralización de una autobiografía simulada. Frente a la idea de diario íntimo, estos artistas han pintado páginas enteras llenas de ficción utilizando como materia prima sus vivencias y su entorno más directo y cotidiano. Y hacen bien, quizás solo en esos retazos de invención pueda colarse de soslayo, en un segundo —pero con una contundencia mortal— los pocos atisbos de una realidad que se nos escapa ante la tremenda situación de colapso en la que se halla el individuo posmoderno. Así, a través de una pintura figurativa narrativa, pero a través también de otros lenguajes como la fotografía, el dibujo o lo instalativo, conceptos como la muerte de los grandes relatos, la identidad, la crisis de la masculinidad, el miedo, la incertidumbre o el capitalismo son puestos bajo el punto de mira para ofrecernos un mapa de coordenadas donde no están escritas las respuestas, pero sí una batería de preguntas a partir de las cuales poder trazar un camino.

El primer cuestionamiento de esta travesía es planteado en el tríptico Tutorial para la construcción de una mesa, que actúa como resumen del devenir de Occidente a través de la representación de tres hitos históricos: el mundo antiguo, representado por la figura de San José, de profesión carpintero; el mundo moderno, tematizado por Henry Ford, padre de la fábrica moderna; y el mundo posmoderno, protagonizado por Ingvar Kamprad, fundador de Ikea.

El padre de familia por antonomasia, San José, creaba hogar y mundo a través de sus manos. La construcción del hogar de la tríada básica occidental se levantaba conforme a unos muros y unos objetos que eran realizados mediante un trabajo artesanal que, como tal, salía de unas manos hacedoras de un mundo conocido y delimitable: manos, casa, mujer e hijo —a la par que dios— conformaban un universo permeable a la identificación. Y en medio de esos muros —el fuego— metáfora de casa, de centro, de calor, de familia y unidad. Ese fuego, por otro lado, que en otras historias a través de las cuales nos narramos, supuso la posibilidad del conocimiento: y al final, ya se sabe, todo acabó ardiendo. Pero antes de que todo saltara por los aires, el mundo que representaba San José se vio interrumpido por la llegada de la Modernidad. Del artesano al obrero, del objeto peculiar en tanto que único al objeto homogéneo de la serie. También se homogeneizó el productor. Un personaje desdibujado, desenfocado, aparece al fondo del segundo cuadro donde la protagonista es la mesa que preside una cadena de montaje de una fábrica de muebles. Decía Benjamin que la modernidad imponía un empobrecimiento de la experiencia; ahora parece que Ikea es lo más cercano que tenemos a la idea de «construcción» de una casa provocando el consabido cambio de escenario: la comunidad de la Modernidad se ha difuminado, y el nuevo individuo está ahora solo y ya no recuerda cómo se hacían las cosas con las manos, si acaso le queda un libro de instrucciones en papel reciclado y una caja que contiene unas piezas que, unidas, darán lugar a la ilusión de una mesa que decorará un hogar lleno de vacíos de sentido y de relatos: mi casa es, por ahora, la misma que todas las casas de este planeta.

La representación del hogar es una constante dentro de la obra de Martín y Sicilia. Alude a la inmanencia diaria de estos actores, que también somos nosotros —¿dónde estoy y a dónde voy?— pero trasciende lo meramente doméstico al operar, asimismo, en lo colectivo. En el recuento de los daños nuestra cama termina ardiendo. Epicentro de nuestro espacio más íntimo, el dormitorio es el lugar donde vamos a descansar una vez la jornada ha terminado, una vez se apagan las luces y nos quedamos a solas con nuestro soliloquio. Se trata de un incendio, el personal, y al tiempo, el de los muros que lo contienen —Dios nos libre de pensar mal— donde conceptos como estado, economía, lenguaje, religión o ciencia arden tras la caída de estos grandes relatos dominantes de la Modernidad consumando la deriva de la contemporaneidad.

Somos los nuevos robinsones del siglo XXI, y al hilo de la reactualización que hiciera Michel Tournier del mito del náufrago, tras la tormenta hemos despertado en una isla desierta y no sabemos muy bien si comportarnos como felices animales y volver a la unicidad del mundo que llamamos natural o, ante la soledad e inmensidad, reproducir los códigos y conductas que la cultura ha impreso en nosotros. El terreno es resbaladizo, la certidumbre ha mutado en lo incierto y ya no hay programas holísticos que den cuenta de lo que somos. Ante esta ausencia, pintar de blanco la superficie del lienzo —Dele color al difunto remake— permite a Martín y Sicilia tematizar una huida hacia el futuro eliminando las huellas del pasado como queriéndonos decir: ¿y si empezamos de nuevo a escribir la Historia?

¿Dónde habitar, entonces? ¿Dónde reconocer lo que me rodea y poner una primera piedra que dé sentido a mi mundo, a mi existencia? Martín y Sicilia terminan viviendo en los coches — Alquiler vacacional— tras ser desalojados de sus casas por imperativos capitalistas, y como náufragos desheredados, levantan una casa que ya no tiene paredes, y se las ven y se las desean para acomodar las estancias entre los asientos y el maletero, pues entre arenas movedizas, podemos vivir de alquiler en una casa prestada o, por qué no, pasar nuestras vacaciones dentro de un cuadro de ilusión con bellos trampantojos salidos del último catálogo de «la república independiente de mi casa». Asistimos a una teatralización del ensueño en donde persiste una extrañeza en todo lo que miran, una suerte de pesadilla kafkiana que va más allá de unos simples bichos. Después de descubrirse ausentes en sus dormitorios, se llevan todo a cuestas y terminan por acampar en azoteas —Somebody is watching me— queriendo llevar a cabo un último intento por volver a empezar. Pero no terminan de reconocer el lugar que ocupan cuando quienes les devuelven la mirada son unos animales salidos de no se sabe dónde.

Un conjunto de imágenes figurativas, a fin de cuentas, que viene a actualizar el catálogo de historias nada autobiográficas de Martín y Sicilia y llenas de señuelo conceptual. Sigue dominando una teatralidad con un regusto por el suspense que sumerge a sus personajes en las consecuencias de la pérdida de sentido del mundo contemporáneo. Después de barrer el bosque, han pintado de nuevo el cuadro en blanco: quedamos todos invitados a reescribir la Historia.

Verónica Farizo

A punto de terminar la temporada 2017-2018, echamos la vista atrás para revisar proyectos y no podemos estar más contentos, desde el inicio el pasado 8 de septiembre con la exposición Odio sobre lienzo de Santiago Paenzuela, que se presentó como el regreso del artista a las salas de Artizar, y ¡menudo regreso!, un verdadero éxtasis de óleo y buen hacer.

En octubre tomó el relevo el joven artista, radicado en El Hierro, Marco Alom, que tras su paso por la última edición de la convocatoria NOW Artizar, se aventuró con una muestra individual la cual resultó ser un fantástico e ilusionante descubrimiento del dibujo, la tinta y las historias encerradas en la mente de este fresco e inédito narrador.

De la juventud más insultante pasamos a la veteranía llevada al rango de Maestro, con todas las letras, hablamos de la última exposición del cubano Manuel Mendive, una selección de trabajos que abarcó desde los años 70 hasta la actualidad, entre las que se encontraban ejemplos de la mejor factura de uno de los más importantes artistas caribeños de las últimas décadas.

El mes de febrero lo iniciamos con 1350 del joven artista cubano, residente en Nueva York, Jairo Alfonso. Conocido, pese a su corta carrera, por sus trabajos a crayón y acuarela en los que representa aglomeraciones de objetos a escala real. Una prometedora trayectoria que el año antes ya era reconocida con la beca de la Pollock Krasner Foundation.

Tras esto y como giro radical, la galería Artizar presentó la revisión del artista canario Ernesto Valcárcel, la que espera ser la primera de muchas, en cuanto a revisiones de creadores históricos de las islas.  Ab initio se convirtió en una sorpresa para muchos, incluido el equipo de la galería, por la calidad de obras expuestas y de la maravillosa acogida que recibió.

Los meses de mayo y junio estuvieron centrados en la nueva incorporación a los artistas de la galería, que no es otra que la de Jesús Zurita, un auténtico monstruo de la pintura y el dibujo de nuestro país. Nacido en Ceuta pero residente en Granada, desplegó su arte en nuestro espacio con un nuevo giro creativo que fascinó tanto a nuevo público como a los más conocedores de su trabajo.

Y para terminar temporada, una colaboración con la Moleiro’s Gallery de La Habana, la exposición Crónicas del Paraíso del pintor cubano Rubén Alpízar. Un canto a la historia del arte a través de la prodigiosa técnica y visión satírica de uno de los referentes de la plástica cubana de su generación. Aún se puede disfrutar, hasta el próximo 4 de agosto.

No podemos dejar pasar los dos proyectos de ferias presentados durante la temporada, La verdad de Madame Sifira de Carlos Nicanor, el solo-project comisariado por Carlos Delgado Mayordomo para la feria Artmadrid, y Fies(t)ole de Julio Blancas con el que recientemente participamos en Artesantander. Dos fantásticas puestas en escena en dos importantes foros del mercado del arte español.

Con todo esto sólo nos queda agradecer a todos los que han formado parte de cada uno de los proyectos de la temporada 2017-2018, a los visitantes, amigos, seguidores y coleccionistas, que nos llevan en volandas para que podamos seguir con este empeño.

A todos ellos decirles que volveremos en septiembre con ánimos e ilusiones renovadas.

Empezaremos el viernes 7 con una nueva muestra de Martín y Sicilia, seguida de Ubay Murillo a finales de octubre, momento en el que también tendremos nuestra primera participación en la feria madrileña Estampa, y para cerrar el año, nuevos trabajos de Amparo Sard.

En el 2019, nombres como Pamen Pereira, Ángel Padrón o José Bedia sumado los proyectos externos como ferias y una nueva participación de la galería en la Bienal de La Habana con Martín y Sicilia, esperamos que nos ayuden a mantener e incluso subir el nivel propuesto hasta el momento.

Gracias a todos y hasta septiembre!!

(simplemente una nota sobre la Obra Reciente de Jesús Zurita)

Las palabras embarran la realidad, la nublan, la camuflan, la osbcurecen y entorpecen con su tautología. De este poder de las palabras poco se habla. Es lógico, no es conveniente. No conviene que se sepa de esta tramposa autoridad suya (como si toda autoridad no ejecutara algún tipo de estructura tiránica para falsear o imponer su poder). De ahí el poder del discurso sobre lo visual, la palabra doblega a la imagen por su obviedad. Siendo lo obvio el camino más corto al conocimiento. O más bien, al famoso y añorado Vox Populi, que es un conocimiento normalizado socialmente, sin más valía que su sentido común, común de comunitario no de verdad o de sapiencia contrastada. No por ello el más rico y por ende tampoco el más enriquecedor.

Desde siempre, desde que lo conozco hace ya dos décadas, creo que huir de ese poder es lo que parece hacer la obra de Jesús Zurita. Pues éste la hace indescifrable, inclasificable en palabras. Como escritor (o hacedor de escrituras críticas) sólo puedes bordearla, pasarle rayando a su lado -quizás- dibujando su silueta, nunca penetrándola o atravesándola de manera quirúrgica. Su obra desde siempre se me hace eso, un amasijo impenetrable. Desde esta posición, la obra de Zurita se aleja de todo empeño que pretenciosamente trate de amordazarla con conceptos, verbos, adjetivos o palabra alguna que intente describirla. Siendo una experiencia tan conseguida en la visualidad que únicamente allí es donde posibilita un diálogo.

En su última producción, esta condición inasible se hace cada vez más sólida porque a pesar de sus recursos lingüísticos formalmente reconocibles, es decir: lo que podría nombrarse como un lenguaje estilístico propio, léase: sus zonas rojas donde la figura se torna pétalo, tronco, rama, raíz, pellejo, bulto, trozo de carne o anquilosada roca anclada en el paisaje, su lino o algodón crudo como demarcación de un desértico territorio simbólico, su uso de un verde tóxico, casi demasiado industrial para referenciar una extraña y envolvente vegetación como elemento narrativo biologizado, sustantivizado podría decirse, pues el artista logra que no sean “plantas estáticas” sino una “especie de botánica actuante”; a pesar de la consolidación absoluta del dominio de los mismos, cada vez Zurita esquiva mejor cualquier etiqueta. Escapa de la palabra.

No obstante, a veces de soslayo, algo nos permite que nos acerquemos a su misteriosa zona de inconformidad, nunca una “zona de confort”. Se hace espacio de resistencia. Y en estas últimas obras podríamos decir que esta zona es el espacio mental de una huida. Una fuga. Un movimiento desplazatorio que huye. Que pretende escapar de este presente absurdo cuajado -sobrepoblado quizás- por energúmenos al mando.

Una realidad que Jesús esquiva, dilatándola. Distrayendo su estática geografía hacia una dramaturgia que cae en cataratas, ante la posibilidad de quedarse inerte, se deja caer en precipitación, en caída libre, en un salto suicida al vacío, en un caer que describe la lágrima, el sudor, la rama rota, las monedas lanzadas al aire, el pegoste de la piel, el amasijo de hojas y pétalos que se doblan y chorrean como si fuese una cabellera, un pelaje, un disfraz.

Un disfraz que es una toma de posición política. Una política de diferenciación de: yo no soy tú, no soy ustedes, nunca lo seré. No me lo exijan. No puedo. Nunca podré. Ni quiero serlo. Porque yo soy de otro lugar. Soy otra cosa, otra clase de gente. Soy de los que no le va lo fácil, ni las modas o las exigencias de lo políticamente correcto, tal vez sea reaccionario, pero no estoy doblegado a vuestras vagas formulaciones. No me rindo ni ante los que me conocen. Ellos, se auto-engañan. No me conocen. Elijo tapar -definitivamente- el agujero.

El paisaje de este lugar de su mente, le ayuda a dejar atrás la trampa de quienes usan la belleza para seducir nuestro deseo y nos subyugan a la dependencia de lo bello; puede que porque Zurita conoce que el nacimiento de lo bello puede emerger de lo trágico, o de lo terriblemente horripilante, o puede nacer envenenado, enfermo, retorcido. En un desplazamiento que simula la danza del samurái cuando atraviesa un bosque, cuando atraviesa un cuerpo su katana, cuando su mirada observa a través del velo que teje la sombra de fractales verticales que dibuja su sombrero de paja.

Una huida que -está vez- no es cobardía, sino refugio, lugar para la resistencia desde el que sentenciar contra la voz absurda del idiota que nos embauca como energúmenos con cánticos de epicidad y gallardía, de utopías e ínfulas baratarias, una resistencia que adopta como territorio-lenguaje-y-lugar el Arte, y desde su innegable y rotunda presencia, acalla bocas.

Omar-Pascual Castillo

Las Palmas de Gran Canaria, Málaga, Granada, España.

Primavera de 2018.

A finales de 1973 se inauguró en la Sala Conca de La Laguna una exposición memorable. Su creador, Ernesto Valcárcel Manescau, nacido en Tenerife  en 1951 y estudiante de arquitectura en la Escuela Técnica Superior de Arquitectura de Canarias, ya había dado a conocer sus primeros trabajos en varias colectivas y en una exposición individual, realizada el año anterior  en la Casa de Colón de Las Palmas de Gran Canaria bajo el título STUVW. Sin embargo, entre ésta y aquella  un profundo y ambicioso cambio había tenido lugar en la obra de Valcárcel, que en unos pocos meses se había reconstruido sobre sus primeros balbuceos con un lenguaje de una plasticidad potente y turbadora. STUVW  había sido, en criterio de su autor, un ejercicio de “síntesis y conclusiones del periodo abstracto comenzado en 1967”, una función recapituladora de sus prolegómenos autodidactas que parecía animada por la imperativa búsqueda de un principio, de una actitud propia y, en definitiva, de una identidad artística. Con Materia, rito y alquimia, la exposición de Conca, los primeros y contundentes pasos de un creador singular resonaron en el panorama plástico archipelágico de los 70.
 
Materia, rito y alquimia contenía los resultados de la transformación operada en la obra de Valcárcel en un año escaso de radical experimentación con volúmenes y relieves en los lienzos, y con los materiales que incorpora a su trabajo: telas cosidas, colas, asfalto…, y la animaban las consecuencias de sus reflexiones sobre la obra de arte y el acto expositivo como parte indisoluble de ella. Esta simbiosis de obra y actitud convirtía  Materia, rito y alquimia en una suerte de manifiesto estético, un posicionamiento no pasivo sino beligerante ante el hecho artístico al postular la “exposición-acontecimiento”, que en palabras de su autor atraería a “un público desconcertado, a veces escandalizado, pero que inevitablemente participa ya con su desconcierto, con su indignación o con su burla”.
 
Materia, rito y alquimia estaba integrada por obras de tela encolada y alquitranada con las que el artista se proponía “crear un espectáculo definido por la presencia fuerte de objetos que, amontonados sin orden, llenen y ocupen totalmente un espacio transitable.”  La voluntad instalativa que desde sus inicios ha animado el trabajo de Valcárcel se iba a materializar en una obra excesiva y provocadora:  lienzos embarnecidos hasta requintar, con tensas adiposidades, vísceras o texturas,  que colgará de las paredes; y, rodeándolos, numerosos “objetos” que parecían desgajados de los cuadros, vertidos en la exterioridad a la que estos aspiraban, (secreciones escultóricas que figuran entre las más enigmáticas de la escultura contemporánea en las Islas), objetos con los que invade el “espacio transitable” creando un ámbito de resonancias orgánicas, un envolvente seno que acogía y hasta cierto punto “digería” al espectador.
 
Con Materia, rito y alquimia se abre el ciclo fundacional de la obra de Ernesto Valcárcel. Dicho  ciclo, al que ahora se homenajea y revisita en la exposición  Ab initio que en colaboración con el artista ha organizado y presenta Galería Artizar,  tendrá  su desarrollo y evolución durante la década de los 70 del pasado siglo y estará jalonado por otras dos muestras  igualmente relevantes:  Los espacios inaccesibles (1974, Sala Conca II, Las Palmas de Gran Canaria) y Secuencias de un ámbito onírico(1978, Galería Balos, Las Palmas de Gran Canaria y Sala Conca, La Laguna). A través de ellas, Valcárcel irá desplegando la mayor parte de los rasgos que harán cautivadoras sus indagaciones plásticas durante las décadas siguientes hasta hoy mismo, cuando su fascinante experiencia alcanza  el medio siglo y acumula una obra imprescindible y única que enriquece, como en verdad muy pocas lo hacen, la historia del arte contemporáneo en Canarias.

Carlos E. Pinto

 Artizar da comienzo con AB INITIO a una serie de revisiones en torno a figuras de gran trascendencia dentro de la historia de la galería. Será inaugurada el viernes 13 de abril a las 20h. y podrá ser visitada en los horarios habituales de la galería: Lunes a viernes de 10,30 a 13,30 y de 17 a 20,30 h. y Sábados de 11 a 14 h.